Federico García Lorca

El poeta, dramaturgo y prosista español Federico García Lorca fue uno de los escritores más reconocidos de la literatura del siglo XX. Su asesinato durante los primeros días de la Guerra Civil hizo de él una víctima especialmente notable del franquismo.

Nació el 5 de junio de 1898 en Fuente Vaqueros (Granada). La posición económica de su familia era deahogada, lo que permitió su formación. Su padre, Federico García Romero, fue hacendado, y su madre, Vicenta Lorca Romero, fue maestra de escuela que fomentó el gusto literario de su hijo.

Tras estudiar bachillerato y música en su ciudad natal, en el año 1915, Lorca comenzó a estudiar filosofía y derecho en la Universidad de Granada. Allí, entabló amistad con el compositor Manuel de Falla, quien ejerció una gran influencia en él. En 1919, vivió y se formó en la Residencia de Estudiantes de Madrid, un centro de intercambios culturales donde se ganó la admiración y amistad de Salvador Dalí, Luis Buñuel y Rafael Alberti, entre otros. Allí pasaría varios años antes de viajar a Cuba y Nueva York entre los años 1929 y 1930.

Al volver a España en 1932, Lorca fue nombrado director de La Barraca, una compañía de teatro universitario que se proponía reavivar el teatro clásico del Siglo de Oro. Esto hizo que se involucrara en ello, y pudo poner en práctica aquel afán por llegar de la forma más directa posible al pueblo. Finalmente, sus posiciones antifascistas y su fama acabaron con su vida al estallar la Guerra Civil; fue fusilado por las fuerzas franquistas en 1932.

Sus primeros poemas quedaron grabados en su obra "Libro de Poemas", que fue publicada en 1921 y que, a pesar de acusar las influencias románticas y modernistas, fue muy exitosa. Sin embargo, su reconocimiento y éxito literario llegaron en 1927, tras la publicación del poemario "Canciones" y las aplaudidas representaciones del drama patriótico "Mariana Pineda" en Madrid. A partir de entonces, su fama aumentó y escribió obras características y muy aclamadas. Entre ellas se ecuentran "Romancero Gitano" (1928), "Bodas de Sangre" (1933), "Yerma" (1934), "La Casa de Bernarda Alba" (1936) y "Poeta en Nueva York" (1940 - publicado tras su muerte).

Respecto al marco histórico, hay que destacar que durante la década de los 30, España está sumergida en una profunda crisis política, económica y social que tiene su origen en la Restauración. Tras la dictadura de Primo de Rivera y la Segunda República Española, un grupo militar intentó dar un golpe de estado sin éxito. Debido a esto, comienzó un enfrentamiento entre el bando republicano y el bando franquista.

Como parte de la Generación del 27, Lorca estuvo principalmente influenciado por el Neopopularismo. El surrealismo, las abundantes metáforas y las renovaciones estéticas son apreciables en sus obras. Sin embargo, la superación del estandarismo y del arte tradicional representados por el Vanguardismo no son reflejados por él, ya que el auge de dicho movimiento surgió después de su muerte.

La Casa de Bernarda Alba

Bernarda: ¿Qué cuenta Pepe? 

Angustias: Yo lo encuentro distraído. Me habla siempre como pensando en otra cosa. Si le pregunto qué le pasa, me contesta: «Los hombres tenemos nuestras preocupaciones.» 

Bernarda: No le debes preguntar. Y cuando te cases, menos. Habla si él habla y míralo cuando te mire. Así no tendrás disgustos. 

Angustias: Yo creo, madre, que él me oculta muchas cosas. 

Bernarda: No procures descubrirlas, no le preguntes y, desde luego, que no te vea llorar jamás. 

Angustias: Debía estar contenta y no lo estoy. 

Bernarda: Eso es lo mismo. 

Angustias: Muchas veces miro a Pepe con mucha fijeza y se me borra a través de los hierros, como si lo tapara una nube de polvo de las que levantan los rebaños. 

Bernarda: Eso son cosas de debilidad. 

Angustias: ¡Ojalá!

El texto a comentar es un fragmento perteneciente a la obra maestra de Federico García Lorca, "La Casa de Bernarda Alba", publicada en 1936. Influenciado por el popularismo y el surrealismo, Lorca trata de reflejar la opresión y los prejuicios de la sociedad de la época de forma simbólica, y se pueden apreciar en él muchas de las características de la Generación del 27.

El principal tema de este fragmento son la hipocresía y la merginalidad de la mujer. En la obra también se pueden apreciar otros temas tales como el enfrentamiento entre la opresión y la libertad individual, la envidia y el odio "Es así como setiene que hablaren este maldito pueblo sin río, pueblo de pozos, donde siempre se bebe el agua con el miedo a que esté envenenada" (Bernarda, Acto Primero).

El fragmento refleja una discusión entre Bernarda y su hija mayor, Angustias, quien se va a casar con Pepe el Romano. Bernarda pregunta por él, y Angustias le responde con tristeza y frustración, ya que lo nota "distraído". Ella, a pesar de ser mujer, defiende los valores sexistas que impiden a la mujer manifestarse, y le hace saber que nunca se le puede preguntar a un hombre que le ocurre, y menos darle disgustos "no le debes preguntar".

Este fragmento pertenece al acto tercercero y, por ende, al desenlace de la historia. Es escrito en forma de diálogo, por lo que no cuenta con un narrador, excepto en las acotaciones (omnisciente).

Debido a que forma parte de una obra teatral, el fragmento no cuenta con abundantes recursos sintácticos. Sin embargo, si que son apreciables los símbolos y las metáforas "nube de polvo de las que levantan los rebaños".

Como contextualización personal, cabría recalcar que Lorca tenía una gran facilidad para plasmar en sus obras los elementos y realidades sociales que deseaba transmitir. La casa de Bernarda Alba es la clara manifestación de una mutación artística que el autor estaba experimentando y que él mismo define como “drama”, ya que lo que establecía era una reflexión sobre la condición humana, sin referencias míticas ni adornos.

Lo que el autor pretende reflejar en esta obra es un mundo regido por el dogmatismo y la intolerancia.

Hay que destacar que, en el fondo, Lorca vivía en primera persona los problemas de esa sociedad intolerante pues, además de gran intelectual, era homosexual y de ideología progresista. El conflicto existente entre libertad y opresión impiden el desarrollo del ser humano y, de una manera u otra, son frustraciones que el escritor sufre y manifiesta en sus obras.

Llegados a este punto, es evidente que demuestra con dureza la sumisión a la que estaba sometida la mujer desde tiempos antiguos. Cuando Bernarda dice "No le debes preguntar. Y cuando te cases, menos. Habla si él habla y míralo cuando te mire. Así no tendrás disgustos." se puede claramente ver la dependencia del sexo femenino, la necesidad de someterse a lo que a cada una le haya tocado vivir y la poca opción que se deja para la revelación o el resignación. La mujer debe vivir en la ignorancia y no hay que profundizar en aquello que le pueda disgustar, pues no es dueña de su propio destino.

Teniendo esto en cuenta, puede decirse que Lorca fue un hombre adelantado en su época. Por esto y por otras muchas razones más, la obra, al igual que el autor, juega un papel importante en el siglo XX y en la literatura universal.

Nuria Maleta, Violeta Gajardo e Irene Insausti

Por Ibón, Iñigo y Juan

Con tres heridas

“Llegó con tres heridas:

La del amor,

La de la muerte,

La de la vida.

Con tres heridas viene:

La de la vida,

La del amor,

La de la muerte.

Con tres heridas yo:

La de la vida,

La de la muerte,

La del amor.”

Esta obra fue escrita en los años 40 por Miguel Hernández. Él la escribió mientras estaba en la cárcel. 

En este pequeño poema se puede decir que Miguel resume todas sus poesías en 3 temas: muerte, vida y amor.

Este poema también resume su situación en aquel momento ya que él siente que está injustamente encarcelado y nota que se está muriendo, aun así no renuncia al amor por su mujer,  hijo y el amor que siente por la vida.

El tema principal de este poema es “Llego con 3 heridas” lo que representa los daños sufridos por la ausencia de la vida estando en prisión, por lo cercana que esta la muerte y por estar lejos de sus amores.

Por otro lado la estructura externa de este poema se  basa en sus tres temas principales; amor, muerte y vida. Estos se pueden estructurar en 3 partes:

La primera parte comienza con el tema principal del poema. Por otro lado, en la segunda parte del poema, Miguel desarrolla el tema a través de las 3 heridas; muerte vida y amor. Pero va alternando el orden de estos.

1a estrofa: amor‐muerte‐vida 

2a estrofa: vida‐amor‐muerte 

3a estrofa: vida‐muerte‐amor 

En la última parte presenta un final emotivo ya que Miguel de alguna manera nos revela que él es el  afligido “Con 3 heridas yo”. Él  es claramente el sujeto que sufre las penurias.

Son los tiempos verbales los que dan esencia al poema:

 Un tiempo pasado: Llego 

 Y un tiempo presente: Viene

 Y un tiempo indeterminado: Con tres heridas yo.

Por otro lado, tenemos que destacar el uso de varios recursos estilísticos: Miguel Hernández da uso de la anáfora. Empieza todas las estrofas con: “con tres heridas”. Tan bien se ve el uso del paralelismo, repite constantemente la misma estructura en las tres partes del poema. A de resaltar la continua repetición de las palabras “ la de la…”. Esto es una aliteración, repite este sonido para crear u n efecto determinado.

            Para terminar en este poema Miguel consigue con solo 3 conceptos crear un poema brutal lleno de sentimientos que de alguna manera nos deja imaginar, de una manera dolorosa, como era estar apartado de todo lo que amaas mientras estas en la cárcel por tus ideas. Y es por eso por lo que creo que este poema es tremendamente chocante ya que Miguel nos enseña, a través de su sufrimiento el dolor provocado por la herida del amor,  la muerte y la vida.

Miguel en su época fue un renombrado literario, influenciado desde pequeño por su soledad como pastor que más tarde destacaría con este poema como uno de los más grandes artistas de la generación del 27.

                                   Miguel Hernández

Miguel Hernández nació en Orihuela, España el 30 de octubre de 1910. Fue un poeta y dramaturgo de amplia importancia para la literatura española del siglo XX. Tras una corta pero intensa vida murió a la edad de 31 años por tuberculosis. Muchas veces se dice que Miguel  Hernández pertenece a la generación del 36, pero mantuvo mayor proximidad con la generación del 27.

Fue pastor de cabras desde temprana edad. Recibió educación primaria, secundaria y bachiller. Tras el bachillerato, Los Jesuitas le proponen una beca con la que puede continuar sus estudios, pero su padre le obliga a rechazarla para dedicarse de nuevo al pastoreo. Tras las largas y aburridas horas que dedicaba al pastoreo, leía y escribió sus primeros poemas. Luis Almarcha Hernández que más tarde sería clérigo y político español, mantenía una amistad con Miguel Hernández, este puso a su disposición libros de grandes poetas que le servirían de guía y le inspirarían para seguir con su pasión; crear poesía.

Cada vez acudía más a la biblioteca, poco a poco iba autocompletando su educación. Inspirado y entusiasmado, con un reducido número de amigos, entre ellos su hermano,  improvisó un grupo literario. Debido a su gran afán a la lectura, continuó leyendo más, hasta llegar a leer a los grandes autores del siglo de oro español. Estos fueron sus principales y más importantes fuentes de inspiración y educación.

A la temprana edad de 20 años, el 25 de marzo de 1931 debutó con su primer y único premio literario de su vida, le concedieron este premio  por el poema de “Canto a Valencia”, en el que destacaba los paisajes y la gente del litoral levantino.

Debido a la reputación recién adquirida por sus publicaciones en revistas y diarios viajó a Madrid en busca de empleo, pero no lo consiguió, en consecuencia se vio obligado a volver a Orihuela. No obstante este viaje fue de gran importancia para él dado que pudo conocer de primera mano las obras y sus autores de la generación del 27. Inspirado por estos autores escribió la obra “Perito en lunas” que fue publicada en 1933. Tuvo gran éxito por lo que le llamaron para hacer lecturas en diversas universidades. Tras este prometedor comienzo, viajó por segunda vez a Madrid. Esta vez logró trabajo, poco tiempo después fue escogido para ocupar el puesto de secretario y redactor de la enciclopedia “los toros”.

Conoció a Vicente Alexandre y a Pablo Neruda, este fue el inicio de su etapa dentro del realismo. Su poesía se hizo más social; es decir lo leía cada vez más gente.

            En 1935 murió su amigo del alma Ramón Sijé al que le dedicó su obra “Elegía”.   

Un año más tarde estalló la guerra civil española. Miguel Hernández se alistó en el bando Republicano y se unió al bando comunista de España. Durante la guerra consiguió escapar a Orihuela, donde se casó con Josefina Manresa en 1937.  En el segundo congreso  internacional de escritores conoció a César Valleja, poeta peruano. Poco tiempo después viajó a la Unión Soviética en representación del gobierno de la república. Cuando regresó escribió varios poemas de drama recogidos en la obra “El  hombre acecha”. En 1937 nació su primer hijo, que murió pocos meses después y al que dedicó el poema hijo de la luz y de la sombra. En 1939 nació su segundo hijo. 

En un intento fallido de huida a Portugal, tras la guerra civil el dictador fascista portugués lo entregó a la guardia civil que lo encarcelaron. Mientras estaba en la cárcel, su mujer le escribió una carta en la que decía que solo tenía pan y cebolla, en consecuencia, Miguel Hernández escribió las famosa “Nanas de la cebolla”. Gracias a la gestión de Pablo Neruda, Miguel Hernández fue liberado. Volvió a Orihuela donde fue delatado, y más tarde ejecutado tras ser condenado a muerte en marzo de 1940.

Debido a sus largas horas de pastoreo, rodeado por árboles y animales, le cogió especial cariño a la sencilla vida de campo. Esto afecto a su poesía, en la que hablaba continuamente de la naturaleza. Pero el amor, el sufrimiento y el dolor eran temas muy comunes en su poesía. Al final de su vida la exaltación social y la guerra son temas ampliamente comentados en sus poemas.

             

           

Dámaso Alonso

Dámaso Alonso de las Redondas, nació en Madrid el 22 de octubre de 1898 y murió el 25 de enero de 1990. Fue escritor, en concreto poeta, además de lingüista, profesor y crítico literario.

Aunque Dámaso Alonso se crió en Asturias, se trasladó a Madrid a realizar sus estudios superiores de Filosofía y Letras, materia en la que se doctoró, y Derecho. Por otro lado, estudió en el Centro de Estudios Históricos y fue compañero en la Residencia de Estudiantes de gran parte de los autores de la generación del 27, como son: Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda o Manuel Altolaguirre. Estos autores, tuvieron gran relevancia en el estilo de escritura del propio Dámaso.

Como profesor, impartía la materia de Lengua y Literatura españolas en diversas universidades tanto nacionales (Valencia, Barcelona y Madrid), como extranjeras (Berlín, Oxford, Cambridge, Stanford, Hunter College, Columbia y Leipzig). Asimismo, fue catedrático de Filología e Historia de la Literatura en la Universidad Central de Madrid.

Además de todo ello, Dámaso Alonso fue una persona muy inquieta en el ámbito intelectual, ya que, entre otras muchas acciones, fue director de la Revista de Filología española, director del Instituto Antonio de Nebrija, director del Consejo Superior de Investigaciones Científicas y   miembro del Modern Language Associacion, miembro de la Real Academia de la Historia, miembro de la Academia Mexicana de la Lengua y fundador de la Biblioteca Románica Hispánica de la editorial Gredos.

Cabe destacar, también, como un hito importante en la biografía de Dámaso Alonso, su periodo como miembro de la Real Academia Española, donde entró a formar parte en el año 1945, y la que llegó a dirigir entre los años 1968 y 1982, año en el que renunció al cargo. En su periodo de director de la Real Academia Española, realizó una importante labor como pionero en la asociación con las academias hispanohablantes de américa.

Gran parte de su obra, está dedicada al estudio de los autores clásicos de la literatura española, tales como Luis de Góngora, Gil Vicente y Juan de la Cruz. Además de ello, en sus escritos, también destacan otros análisis lingüísticos entorno a los dialectos existentes en la lengua española y los métodos de la lengua. También tradujo las obras literarias de James Joyce, con las que utilizaba el pseudónimo de Alfonso Donado.

Finalmente, fue un destacado poeta de la Generación del 27, influido por la obra de Juan Ramón Jiménez y el estilo modernista. Sus poemas, conocidos como Poemas Puros, trataban la temática de la amargura vital y el dolor y la angustia que se genera por el mundo que se vivía en ese momento histórico. Su mayor obra, en este sentido fue Hijos de la ira, escrita en 1944.

Insomnio

Este poema fue escrito en el año 1943 por uno de los poetas vanguardistas más importantes de la generación del 27, Dámaso Alonso.

El texto temporalmente se sitúa a mediados del siglo XX, en la posguerra. Había muerto mucha gente por la guerra civil y la gente está recuperándose de un estado de angustia existencial. La gente se empezó a preguntar: “¿Por qué lo habían hecho?” o “¿Qué harán ahora que todo había acabado?”. Muchas personas aceptaron unos ideales de un movimiento filosófico llamado existencialismo. Otro movimiento muy importante de aquella época fue la vanguardia, que era la máxima libertad de expresión, sin límites ni reglas.

Este texto nos cuenta la vida de las personas al finalizar la guerra. En las primeras estrofas hace referencia a las personas como “cadáveres” porque eran muertos vivientes a los que su propia consciencia no les permitía descansar, por lo tanto no podían vivir. A lo que hace referencia al decir: “me revuelvo y me incorporo”. También los ve como muertos porque se pudren en sus casas donde el tiempo parece no avanzar, “donde hace 45 años que me pudro”.

Más adelante al decir: “me paso horas gimiendo como el huracán, ladrando como un perro” con esto el autor se refiere al insomnio de los muertos, que se levantan e intentan distraerse con el viento o los perros ladrando en mitad de la noche.

Las personas intentaban aceptar su propia angustia existencial.

En cambio, en las últimas estrofas utiliza verbos en primera persona del singular que hacen referencia al mismo autor de un modo mucho más personal. También hace referencia a un ser superior al que inculpa de la angustia general, esto se puede observar cuando dice: “dime, ¿Qué huerto quieres abonar con nuestra podredumbre?”.

PEDRO SALINAS 

BIOGRAFÍA

Pedro Salinas fue un escritor español, conocido por sus poemas, fue uno de los más grandes exponentes de la generación del 27.

Nació en el año 1891 en Madrid y murió en el año 1951 en Boston.

En sus comienzos estudio Derecho en la Universidad de Madrid, pero dos años más tarde, dándose cuenta de su verdadera vocación, decidió empezar a estudiar Filosofía y Letras , se doctoro en esta materia en el año 1917.

Un año más tarde ejercería de catedrático en Literatura en la Universidad de Murcia y más tarde en la de Sevilla. Cuando la situación en España empeoro (Guerra Civil), Salinas decidió marcharse de su país natal para enseñar en países como Puerto Rico o Estados Unidos.

Tuvo una mujer llamada Margarita Bonmati, con ella tuvo dos hijos, Jaime y Soledad.

Fue un hombre llamativo en la poesía ya que fue un obseso de las letras.

Se instauro la dictadura del General Primo Rivera, pero aparte de esto surgieron varias cosas más. Pedro Salinas también vivió una Guerra Civil y un Golpe de Estado.

Sufrió un exilio que hizo que cambiase su forma de pensar y escribir cosas diferentes.

Cuando Pedro Salinas estaba vivo surgió la Segunda Guerra Mundial y no obstante la dictadura de Hitler. Tras ocurrir esto cambiaron mucho los temas para sus poemas.

En esta época surgió una de las poesías más importantes de toda la historia en este país. Los más destacados fueron Federico García Lorca, el mismo Pedro Salinas, Jorge Guillén y muchos más. Todos nacieron entre los años 1892 y 1906.

Se le decidió llamar la Generación del 27, porque era el tercer centenario de la muerte de Góngora. Tras su muerte decidieron publicar obras de Góngora para llamar más la atención.

COMENTARIO DE TEXTO: SIN VOZ, DESNUDA

Sin armas. Ni las dulces 7
sonrisas, ni las llamas 7
rápidas de la ira. 7
Sin armas. Ni las aguas 7
de la bondad sin fondo, 7
ni la perfidia, corvo pico. 9
Nada. Sin armas. Sola. 7

Ceñida en tu silencio. 7
«Sí» y «no», «mañana» y «cuando», 7
quiebran agudas puntas 7
de inútiles saetas 7
en tu silencio liso 7
sin derrota ni gloria. 7
¡Cuidado!, que te mata 7
fría, invencible, eterna 7 —
eso, lo que te guarda, 7

Eso, lo que te salva, 7
el filo del silencio que tú aguzas. 12

Esta obra se llama "Sin voz, desnuda", el autor de este poeta es Pedro Salinas, escritor muy importante de la generación del veintisiete. No se sabe con certeza cuando fue creado este poema, pero fue publicado en 1929.

El tema de esta obra es la poesía en sí, la chica está desnuda delante de él. Ella está totalmente vacía y la llena con su poesía. Con cada estrofa la va vistiendo. Luego también habla sobre el silencio, la chica permanece en silencio pero para él dice muchas cosas. Un ejemplo de lo que he dicho anteriormente es: “Ceñida en tu silencio. “Sí» y «no», «mañana» y «cuando»”, ella está callada pero él deduce que quiere decir.

Como he mencionado anteriormente, este poema habla sobre la poesía en sí. Pedro habla sobre una mujer al desnudo y que se mantiene en silencio y el espera a que ella le hable, le conteste. Salinas se imagina lo que le va a decir y entonces comienza a dudar, por eso cuando dice “en tu silencio liso sin derrota ni gloria”, no sabe lo que le va a decir.

Mirando la estructura de esta obra, se puede apreciar que no tiene ni una métrica exacta ni ninguna rima, ya que es un poema que pertenece a la vanguardia, y en este estilo no tienen normas, pero aunque no las tengan consiguen dar sentido al poema. La métrica de esta obra es de 7 silabas pero hay en dos versos que se pasa de las siete silabas, en el último verso hay doce silabas y en el séptimo nueve. Mirando a las rimas solo se puede apreciar una de ellas, llamas con aguas.

Esta obra se divide en tres partes, en la primera nos describe como es y como esta. En la segunda nos describe sus sentimientos, y en la tercera nos dice la conclusión que ha sacado, tras sr como es.

En este poema podemos encontrar varios recursos estilísticos, los cuales son, primero tenemos las denominadas alteraciones, que consisten en repetir un sonido en un verso o estrofa, como se puede ver aquí: Sin armas. Ni las dulces sonrisas, ni las llamas rápidas de la ira.

También tenemos el polisíndeton el cual es una figura literaria caracterizada por usar más conjunciones de las necesarias, se puede apreciar al principio del poema con la palabra ni. Más adelante tenemos la metáfora, es el desplazamiento de significado en los términos con una finalidad estética, lo vemos aquí: ni las llamas rápidas de la ira.

Podemos tomar este poema de Salinas como un ejemplo claro de su obra, autentica, bella e ingeniosa, busca la esencia en su obra, no se observa un léxico rebuscado, pero a la vez vemos que sus textos son complejos. Se denota que su léxica ha sido seleccionada con mucho cuidado, cada palabra se siente en su lugar, se puede apreciar cuando escribe sobre sentimientos, el poema se siente vivo, gracias en parte, al uso variado y extenso de los recursos literarios.

JOSU OLAIZOLA, OIER CABALLERO Y FERNANDO PAGOLA

Jorge Guillen

                                                               Jorge Guillen

 Biografía

Jorge Guillén nació el 18 de enero de 1893 en Valladolid. Fue el mayor de cinco hermanos. Fue un poeta de la Generación del 27. Estudió Filosofía y Letras en Madrid y en Granada. En 1924 se doctora y visita Alemania después de haber sido lector de español en Sorbona; esto lo repitió en Oxford años después. Guillén, en el año 1925, obtiene la cátedra de Literatura Española en la Universidad de Murcia y se fue a Sevilla tres años después. Jorge Guillén realizó colaboraciones en las revistas intelectuales españolas más importantes y años mas tarde en las revistas hispanoamericanas.

La lirica de Guillén ofrece una visión positiva de lo denominado “Poesía Pura”. Esto significa que las obras tenían un gran significado ya que cada palabra intenta tener un sentido. En los poemas de Guillén se destaca la abundancia de sustantivos como ya veremos más adelante en el poema Los Nombres.

Jorge Guillén vivió la Guerra Civil Española desde la cárcel. Cuando acabo la guerra y salió de allí, se va a Estados Unidos donde imparte clases de literatura. En el año 1976 ganó premio Cervantes y en el 1978 fue elegido académico de honor de la Real Academia Española. Jorge Guillén murió el seis de febrero en el 1984.

Comentario de Texto

LOS NOMBRES

Albor. El horizonte                                       7

entreabre sus pestañas,                             7

y empieza ᴗ a ver ¿Qué? Nombres.          7

Están sobre la pátina                          8-1= 7

de las cosas. La rosa                                 7

se llama todavía                                          7

hoy rosa, ᴗ y la memoria                            7

de su tránsito, prisa.                                    7

Prisa de vivir más.                               6+1= 7

A lo largo ᴗ amor nos alce                           8

esa pujanza ᴗ agraz                             6+1= 7

del Instante, tan ágil                                      7

que ᴗ en llegando ᴗ a su meta                         7

corre ᴗ aᴗ imponer después.                 6+1= 7

Alerta,ᴗ alerta, ᴗ alerta,                                   7

yo seré, yo seré.                                  6+1= 7

 ¿Y las rosas? Pestañas                                 7

 cerradas: horizonte                                        7

  final. ¿Acaso nada?                                       7

  Pero quedan los nombres.                             7

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Nos encontramos ante nosotros con un poema de Jorge Guillén, autor de la Generación del 27.

El poema se titula “Los Nombres”, cuyo tema principal es el lenguaje.

Jorge Guillén quiso hacer ver como una sola palabra es capaz de transmitir sentimiento de belleza, a la vez que ideas abstractas. Por ejemplo, utiliza palabras como horizonte, albor, pestañas...

Este poema consta de 5 estrofas, cada una de ellas compuesta por 4 versos, los cuales contienen 7 sílabas, excepto uno de ellos, como podemos apreciar anteriormente.

“Los Nombres” no presenta ningún tipo de rima, característica típica de los autores de esta Generación.

El poema de “Los Nombres” presenta la mayoría de los recursos estilísticos, como la metáfora, recurso más abundante; se puede decir incluso que el poema en sí es una gran metáfora.

También utiliza la paradoja, y la prosopopeya, dado que relaciona características humanas con la naturaleza, como se puede comprobar en el último párrafo.

“¿Y las rosas? Pestañas cerradas”

Otro recurso muy abundante en este poema es la metonimia, ya que cada vez que habla de los nombres se está refiriendo al lenguaje en su completo.

También encontramos anadiplosis al final de la segunda estrofa y principio de la tercera.                           

                                                      “de su tránsito, prisa.

Prisa de vivir más.”

Como ya se ha mencionado con anterioridad, Los Nombres, perteneciente a Cántico, está escrito por Jorge Guillén, autor de la Generación del 27. Esta generación, formada por otros autores como Federico García Lorca, Luis Cernuda y Pedro Salinas, entre muchos otros, se reunió en 1927 para conmemorar el tricentenario de la muerte de Luís de Góngora, de allí su nombre. También tienen en común su amor y admiración por la poesía clásica, pero su deseo de innovar la literatura, rompiendo con las reglas y estructuras clásicas, creando una fusión de vanguardia y tradición.

Jorge Guillén fue el mayor representante de la poesía pura. Mantuvo la estructura original, sin romper con la versificación. Se inspiró principalmente en Juan Ramón Jiménez. Pero Guillén también se inspiró en las vanguardias, utilizando la metalingüística; recreándose dentro de la palabra, analizando que significa, y que nos evoca al expresarla; convierte algo tan cotidiano y necesario como la palabra en belleza, no solo para usarla, sino analizando que nos transmite. Los nombres es un claro ejemplo de esto.

Con este poema, Guillén transmite como una palabra nos evoca tanto el objeto con el que se le identifica, como una idea abstracta, una metáfora que varía según la perspectiva de cada uno. En el poema comienza utilizando el horizonte para esto, utilizándolo como algo intangible, comparándolo con las pestañas. Y al abrirlas ¿que vemos? Nombres, nos rodean. 

“Albor. El horizonte

Entreabre sus pestañas,

Y empieza a ver ¿Qué? Nombres.

Están sobre la pátina”

Siguiendo en la misma línea, utiliza la rosa como una nueva metáfora, esta vez tangible, una rosa que sigue llamándose rosa, pero puede significar mucho más para el que lo quiera. Sin embargo, al final la rosa puede ser una pestaña, como el horizonte puede ser el final; o pueden no ser nada. ¿Pero qué son? Nombres. 

“¿Y las rosas? Pestañas

Cerradas: horizonte

Final. ¿Acaso nada?

Pero quedan los nombres”

 

Con este poema, Jorge Guillén se recrea en la palabra, hablando de su profundidad; un claro ejemplo la metalingüística y de la vanguardia de la Generación del 27, a de más de ser un poema excepcional.

Paula Cabrera, Raquel González y Carolina Nolasco